Ваш день рождения 20 июля.

20 июля
1890 года родился Джорджо МОРАНДИ (в Болонье), выдающийся итальянский живописец и график, мастер натюрмортов в духе магического реализма.
Моранди – совершенно самостоятельное явление в искусстве XX века. Гамма художника, при кажущейся простоте, чрезвычайно сложна, и построена на тончайших нюансах; да и формы, присутствующие в его произведениях – просты, но достаточно разнообразны, наделены характером, а порой – изощрённо причудливы, а не примитивны.
Ключ к пониманию его искусства кроется в живописи раннего итальянского Ренессанса, в фресках Джотто, в натюрмортах Ф. Сурбарана или в несложных этюдах Ж.-Б.С. Шардена.
Сам образ жизни художника, дистанцировавшегося от проблем суетного мира (он практически не выезжал из Болоньи), говорит о стремлении увидеть и показать красоту простых форм, – возможность постоянно находить её в этой тихой, камерной жизни, предстающей за мнимой монотонностью в многообразии, «интимности» оттенков настроений его живописи.
* * * * *
Джорджо Моранди обучался в Академии изящных искусств (Болонья) и первоначально намеревался заниматься скульптурой. Большое влияние на него оказали работы Поля Сезанна, помимо этого молодой художник интересовался живописью итальянского Раннего Возрождения.
В 1914 году Моранди становится преподавателем Академии художеств на кафедре рисунка. Он сблизился с футуристами и написал несколько работ, передающих разные фазы движения, но быстро оставил эту манеру. Свою тему художник нашел под влиянием «метафизической живописи» Дж. де Кирико и К. Карра, сосредоточившись в основном на натюрморте. В это же время он впервые представил работы на выставках в Болонье и Флоренции.
В своих картинах Джорджо Моранди обычно использовал очень простые, учебные по сути композиции с чашами, вазами, стаканами и бутылками. Его минималистические работы пленяли своей кажущейся простотой. В дальнейшем художник прославился именно как мастер натюрмортов в духе магического реализма.
Моранди всегда был верен принципам эстетического аскетизма, в том числе и в колорите, где предпочитал мягкие, приглушенные тональности, лишь иногда тревожащие внезапным контрастом. Плодотворно работал также как офортист, обращался и к пейзажу, обычно черпая мотивы для него в деревне Гриццана в Апеннинах, где проводил летние месяцы.
В 1930 году Моранди был избран почетным членом Академии Болоньи. Он создал целую серию натюрмортов с бутылками («бутылки Моранди»), которые считаются эталоном мастерства в современной «метафизической живописи». В 1930-1956 годах художник работал профессором гравировального искусства во флорентийской Академии.
Скончался Джорджо МОРАНДИ 18 июня 1964 года в Болонье.

20 июля
1881 года родился Леон де СМЕТ (в Генте), бельгийский художник-импрессионист.
* * * * *
Художественное образование он получил в Королевской академии изящных искусств со своим старшим братом Гюставом де Сметом. Учился у знаменитого художника-символиста Жана Дельвиля. С самого начала Леон выбрал импрессионистскую манеру в живописи. Большое влияние в этом направлении оказал на него популярный художник Эмиль Клаус, который познакомил его со стилем люминизма в импрессионизме.
В 1914 году с началом I-й Мировой войны Леон де Смет переехал в Лондон, где почти сразу же смог сделать себе хорошую карьеру. Его старший брат Гюстав также покинул Бельгию в то же время, переехав в Амстердам, где увлекся модным в то время экспрессионизмом.
В Англии Леон де Смет занимался портретной живописью, создал портреты многих важных общественных и культурных деятелей Лондона, например, знаменитого драматурга Джорджа Бернарда Шоу.
Одно время художник попал под влияние современного тогда движения экспрессионизма, которым увлекался его старший брат. Кроме этого его стиль также формировался в русле современных тогда течений дивизионизма и импрессионизма.
Среди любимых тем Леона в живописи были пейзажи, фигуры и натюрморты. Он часто писал своих жён – первую жену Марию и вторую жену Клэр, и в целом свою семью. В 1939 году художник переехал в село Деурле, находившееся недалеко от Гента.
Скончался Леон де СМЕТ 9 сентября 1966 года в Деурле (Бельгия).

20 июля
МЕЖДУНАРОДНЫЙ ДЕНЬ ШАХМАТ
В этот день, начиная с 1966 года, во всем мире отмечают Международный день шахмат (International Chess Day). Этот праздник проводится по решению ФИДЕ – Всемирной шахматной федерации (World Chess Federation, FIDE), основанной в 1924 году.
«Шахматистов всех мы поздравляем,
И побед побольше Вам желаем.
Тридцать две фигуры разместите,
Смело и умело ими походите…
...Пойти слоном – решиться?
Иль сделать ход конем?..
Мы шахматистов поздравляем
С Международным днем!»
* * * * *
Название игры пришло из персидского языка: шах мат – «властитель умер». Родиной шахмат является Индия. Там в V веке появилась предшественница шахмат – игра чатуранга.
Существует древняя легенда, которая приписывает создание шахмат некоему брамину.
Он за свое изобретение попросил у раджи незначительную, на первый взгляд, награду: столько пшеничных зерен, сколько покажет шахматная доска, если на первую клетку положить одно зерно, а потом количество зёрен удваивать. Оказалось зёрен потребуется 18446744073709551615 (18 квинтильонов 446 квадрильонов 744 триллиона 73 биллиона 709 миллионов 551 тысяча 615). Этого количества не могло быть на всей планете Земля.
На Руси шахматы появились примерно в IX (или X) веке, за столетия в стране сложились богатые и прочные традиции. Русские цари, начиная с Ивана Грозного, были большими поклонниками древнейшей игры. Царь Алексей Михайлович Тишайший сделал много для распространения шахмат среди дворянства и представителей дипломатии. Продолжил традиции отца и Петр I, который увлекался ими с детства, а впоследствии не забывал о любимом занятии и в военных походах.
Шахматы – это настольная игра на 64-клеточной доске, на которой располагаются 32 фигуры (по 16 фигур белого и черного цвета). Играют 2 партнера. Цель игры заключается в том, чтобы поставить мат королю противника. Шахматы сочетают в себе элементы искусства, науки и спорта.
Небольшая шахматная доска является необъятным полем для бесчисленных комбинаций. Достаточно сказать, что в самом начале партии игрок имеет 20 вариантов для первого хода; его партнер может ответить 20 ходами на каждый ход, то есть в распоряжении последнего уже 400 вариантов только для первого хода.
В ХХ веке шахматы, – благодаря их резко возросшей популярности в мире, роли в создании кибернетики, широкому внедрению ЭВМ в шахматную практику и обучение игре, все большей взаимосвязи с такими областями культуры, как литература, кино, живопись, – стали одним из феноменов цивилизации.
Современные правила игры сложились в основном в эпоху Возрождения (XV-XVI веках), хотя полное их единообразие установилось лишь около 100 лет назад.
Почти в каждом городе есть шахматный клуб (иногда их несколько), в котором собираются почитатели этого вида спорта. В Международный день шахмат в этих клубах проводятся турниры, развлекательные мероприятия, любительские лекции по обмену опытом игры.

20 июля
В 1894 году родился Лев Александрович БРУНИ (в селе Алексеевка, Новгородская губерния), русский и советский художник-авангардист, иллюстратор и военный корреспондент. Автор многочисленных контррельефов в жанре конструктивизма.
Происходил из семьи с давними художественными традициями: его прадедом был известный акварелист прошлого века П.Ф. Соколов, среди родных был знаменитый живописец-академист Ф.А. Бруни, в родстве он был и с семьей Брюлловых. «В моих жилах течет не кровь, а акварель», – шутил художник. И в самом деле, он был прирожденным акварелистом, виртуозно владел всеми секретами этой изящной и трудной техники.
* * * * *
В период 1903-08 годов Лев Бруни обучался в Тенишевском училище вСанкт-Петербурге, но не окончил его по состоянию здоровья, с ним дома занимался отчим С.К. Исаков. С 14 лет он увлёкся живописью. Вольнослушателем посещал Академию художеств: мастерскую Я.Ф. Ционглинского и мастерскую Ф.А. Рубо, Батальный класс Н.С. Самокиша. В 1912-13 годах учился в Академии Жюлиана (Париж) – посещал мастерскую Жана-Поля Лорана.
Летом 1913 года был в Пскове, в августе-сентябре – в Коктебеле, где познакомился с художниками кружка Макса Волошина – Константином Кандауровым, Константином Богаевским и Юлией Оболенской, а также с Мариной Цветаевой и её мужем Сергеем Эфроном.
Под влиянием Константина Бальмонта иллюстрировал поэму Шота Руставели «Витязь в тигровой шкуре»; две акварели – «Плач Тариэла» и «Бой Автандила», экспонировавшиеся на выставке «Мир искусства» (Петроград, 1915) – принесли Льву Бруни первую известность и первый коммерческий успех, они были куплены неким грузинским князем.
В 1923 году художник по приглашению Фаворского переехал с семьёй в Москву. Здесь он преподавал в художественных институтах, занимался иллюстрированием изданий. Его рисунками украшены книги «Дон-Кихот» М. Сервантеса, «Исповедь сына века» А. Мюссе, «Шахнаме» Фирдоуси, «Лирика» Низами и др. С 1935 года и до конца жизни художник руководил мастерской монументальной живописи, созданной с его участием при Академии архитектуры СССР.
Скончался Лев Александрович БРУНИ 26 февраля 1948 года в Москве, похоронен на Даниловском кладбище.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #Б__

20 июля
1915 года родился Орест Георгиевич ВЕРЕЙСКИЙ (в селе Аносово, Смоленская губерния), советский график, иллюстратор, педагог. Академик АХ СССР. Народный художник СССР. Лауреат Государственной премии СССР.
Он известен своей книжной графикой – иллюстрировал произведения Шолохова, Паустовского, Фадеева, Пришвина, Бунина, Хемингуэя и других писателей. Верейский активно иллюстрировал произведения А.Т. Твардовского, в т.ч. поэмы о Василии Тёркине.
Есть литературные герои, которые в иллюстрациях обретают столь органичный и зримо-конкретный образ, что их литературный прототип уже не мыслится без «изобразительного». Так бравый солдат Швейк остался жить таким, каким увидел его И. Лада, а Василия Теркина мы «узнаём» по рисункам Ореста Верейского.
* * * * *
Выходец из семьи художника Георгия Верейского и Елены Верейской, дочери историка Н.И. Кареева, он в 1936-38 годах был вольнослушателем Ленинградской Академии художеств. Именно в Ленинграде происходит творческое становление Ореста Верейского как художника. Здесь его наставником, кроме отца, был художник и педагог А.А. Осмёркин. В 1940 году он переезжает жить и работать в Москву.
В годы Великой Отечественной войны Верейский работал в редакции газеты «Красноармейская правда», где в 1942 году встретился и подружился с Александром Твардовским. Образ Василия Теркина родился в результате творческого содружества художника и писателя.
Верейский не придумал и не «сложил» Теркина – скорее увидел и узнал в конкретном человеке – поэте Василии Глотове. Образ Теркина стал индивидуально портретным; его конкретная собирательность заключает в себе то общее, что открылось в нашем народе в годы войны. Личное отношение художника к своему герою определило жизненность его облика – органическое единство индивидуального и собирательного.
Книга «Василий Теркин» вышла в 1946 году с иллюстрациями Верейского. Впоследствии художник много раз возвращался к этой теме. Привнося что-то новое, он не менял образ героя – так «изобразительная жизнь» Теркина обрастала новыми подробностями и деталями.
Образность и графическую стилистику «Василия Теркина» определило само время. Качество, которое особо выделяет графику Великой Отечественной войны, – хроникальность. Это правда карандашного рисунка с натуры – особая достоверность увиденного, доступная лишь непосредственному участнику.
К поэзии А. Твардовского художник обращался затем постоянно. Фронтовые наблюдения помогли «прочитать» «Военную хронику» и «Дом у дороги», а многочисленные поездки по стране – «Страну Муравию» и «За далью – даль».
Также в послевоенные годы художник много работал над иллюстрированием произведений А. Фадеева «Разгром», К. Паустовского «Повесть о лесах», М. Шолохова «Тихий Дон» и «Судьба человека», Л. Никулина «России верные сыны», а также произведения Джанни Родари («Здравствуйте, дети») и других советских и иностранных авторов.
Среди других послевоенных работ Верейского также необходимо указать на серию рисунков, посвященных жизни и походам великого русского полководца А.В. Суворова.
Ему принадлежат разнообразные по тематике серии рисунков, акварелей, автолитографий, созданные в результате его поездок по Чехословакии, Сирии, Ливану, Египту, Финляндии, Исландии, США.
Скончался Орест Георгиевич ВЕРЕЙСКИЙ 2 января 1993 года в Москве, похоронен на Кунцевском кладбище.

20 июля
В 1847 году родился Макс ЛИБЕРМАН (в Берлине), немецкий художник и график еврейского происхождения, президент берлинской Академии художеств (1920-1933 гг.).
Один из ведущих немецких живописцев XIX века, яркий и самобытный мастер европейского реализма. Его путь в искусстве определила увлеченность творчеством известных художников 1850-70-х годов – венгра М. Мункачи, французов Г. Курбе и Ф. Милле, его соотечественника А. Менцеля.
Он не писал исторических полотен, не увлекался драматическими сюжетами из социальной действительности, не создавал произведений в духе салонной живописи. Либерман всегда оставался верен натуре, любил путешествия, новые впечатления, в которых находил сюжеты для своих полотен.
Как и всех мастеров XIX столетия, его интересовала пленэрная живопись. Поэтому столь большой интерес у него вызвало творчество французских импрессионистов, живописные завоевания которых он соединил со своим глубоким видением натуры, стремлением отображать современную жизнь в тех ее проявлениях, которые он считал достойными кисти художника.
Либерман считается одним из главных представителей импрессионизма за пределами Франции.
* * * * *
Выходец из зажиточной семьи берлинского фабриканта, он рано начал рисовать.
Когда родители юного дарования поняли, что осваивать «обычную» науку их сын не собирается, они не стали препятствовать его желанию посвятить себя живописи. Весной 1868 года в Веймарской школе искусств Макс начинает свой путь в мир искусства. Очарованный творениями Рембрандта и Хальса, начинающий художник на всю жизнь сохранил любовь к живописи этих мастеров.
С 1873 по 1878 год Либерман проживает в Париже. В этот период он пишет картины в реалистичном жанре, предпочитая изображать людей физического труда. Начиная с 1874 года, и на протяжении 40 лет, художник ежегодно посещал Голландию, что привело его к увлечению пленэрной живописью.
В 1878 году Макс Либерман переезжает в Мюнхен, и здесь его упорный труд приносит плоды, о его творчестве заговорили, правда, не всегда в положительном ключе. В самом начале XIX века он от изображения «трудовой» темы переходит к теме отдыха. Досуг людей им воплощается в импрессионистской манере, в картинах много «роскоши» и развлечений буржуазии.
Либерман был не только талантливым художником, но известным деятелем культуры, проявившим в трудные для истории Германии годы подлинный патриотизм и гуманизм. Его имя всегда вызывает высокое уважение у молодого поколения. В написанной им книге «Фантазия в живописи» он рассказал о своей жизни и творческом кредо, и вместе с его живописью она явилась наследием этого крупного мастера.
В последние годы жизни художник больше работает в портретной живописи, дожив до нацистского режима, он избежал его ужасов.
Скончался Макс ЛИБЕРМАН 8 февраля 1935 года в Берлине, похоронен на Еврейском кладбище на Шёнхаузер-аллее.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #Л__

20 июля
1895 года родился Ласло МОХОЙ-НАДЬ (в Боршоде, Австро-Венгрия), венгерский художник, теоретик фото- и киноискусства, журналист, одна из крупнейших фигур мирового авангарда первой половины XX века.
* * * * *
Получил юридическое образование. Во время I-й мировой войны, выздоравливая после ранения, начал рисовать и вскоре оставил юриспруденцию, всецело посвятив себя искусству. Начал посещать художественную школу, познакомился с представителями будапештского авангарда, участвовал в нескольких групповых выставках.
В 1923-1928 годах работал в Баухаузе, начал заниматься фотографией и одним из первых использовал монтаж кадров, достигая новаторских зрительных эффектов.
Среди его учеников был Йозеф Альберс. В 1924 году познакомился с Владимиром Маяковским, создал несколько его фотопортретов. Писал киносценарии, снимал короткометражные фильмы («Берлинский натюрморт»).
В 1934 году эмигрировал из нацистской Германии в Амстердам, затем в Лондон, в 1937 – в США. В Чикаго создал Школу дизайна, которой и руководил до конца жизни.
Скончался Ласло МОХОЙ-НАДЬ 24 ноября 1946 года в Чикаго.
В 2004 годы его работы были представлены в Москве на выставке «100 лучших фотографий Венгрии».

20 июля
В 1304 году родился Франческо ПЕТРАРКА (в городе Ареццо), итальянский поэт, глава старшего поколения гуманистов, один из величайших деятелей итальянского Проторенессанса, ученик Варлаама Калабрийского.
Великий поэт европейского средневековья, он один из тех, кто стоял у начала и закладывал основы эпохи Возрождения. Своей славой Петрарка во многом обязан прекрасной музе – Лауре де Новес (1301-1348). Эта женщина покорила сердце поэта и вдохновила его на создание неподражаемых сонетов, по сей день считающихся образцом жанра.
* * * * *
Поступив в школу, Петрарка научился латинскому языку и проявил интерес к римской литературе. Будучи выходцем из семьи юриста, предполагалось что он должен был продолжать дело отца.
После школы в 1319 году Петрарка по желанию родителей начал изучать право, сначала в Монпелье, а потом в Болонском университете, где оставался до смерти отца (1326). Но юриспруденция совсем не интересовала его – он всё более и более увлекался классическими писателями.
По выходе из университета он не стал юристом, а был посвящён в священники, чтобы найти средства к существованию, т.к. по наследству от отца он получил только рукопись сочинений Вергилия.
Поселившись в Авиньоне при папском дворе и приняв духовный сан, Петрарка сблизился с могущественной фамилией Колонна, один из членов которой, Джакомо, был его университетским товарищем. Там он в 1327 году впервые встретил свою возлюбленную, Лауру, которой в последствие посвящал свои знаменитые сонеты:

Благословен день, месяц, лето, час
И миг, когда мой взор те очи встретил!
Благословен тот край, и дол тот светел,
Где пленником я стал прекрасных глаз!

Благословенна боль, что в первый раз
Я ощутил, когда и не приметил,
Как глубоко пронзен стрелой, что метил
Мне в сердце Бог, тайком разящий нас!

Благословенны жалобы и стоны,
Какими оглашал я сон дубрав,
Будя отзвучья именем Мадонны!

Благословенны вы, что столько слав
Стяжали ей, певучие канцоны, –
Дум золотых о ней, единой, сплав!

Неразделённая любовь к ней составила главный источник его поэзии и послужила одной из причин его удаления из Авиньона в уединённый Воклюз.
Лаура была для него объектом преклонения и чистой платонической любви. Несмотря на то, что виделись они всего несколько раз и не были по-настоящему знакомы, Петрарка пронес это чувство через всю жизнь. Даже после того, как жизнь Лауры унесла эпидемия чумы, Петрарка ещё 10 лет воспевал её.
Петрарка посвятил ей сборник своих итальянских стихов «Canzoniere». Книга делится на 2 части: «На жизнь мадонны Лауры» и «На смерть мадонны Лауры», написанные соответственно до и после смерти возлюбленной. Образ Лауры в лирике Петрарки отличается от другой подобного рода лирики (например, сонетов Данте к Беатриче), тем, что героиня не превращается в бесплотный символ красоты и совершенства. Будучи идеалом в глазах поэта, образ Лауры остается вполне реальным и осязаемым. Книга «Canzoniere» выдержала более 200 переизданий ещё до начала XVII века.
Покровительство Колонна и литературная известность доставили ему несколько церковных синекур; он приобрёл домик в долине речки Сорги, где с перерывами прожил 16 лет (1337-53 годы). Между тем письма Петрарки и его литературные произведения сделали его знаменитостью, и он почти одновременно получил приглашение из Парижа, Неаполя и Рима принять коронование лавровым венком. Петрарка выбрал Рим и был торжественно венчан на Капитолии лавровым венком в Пасху 1341 года – этот день некоторые исследователи считают началом эпохи Возрождения.
Кроме лирики на итальянском языке, перу Петрарки принадлежит и некоторое количество произведений на латыни. Это две его автобиографии, одна из которых создана в форме диалога поэта с Августином Блаженным. В ней Петрарка противопоставляет собственное гуманистическое мировоззрение средневековой схоластике и утверждает величие человека и его особенное место в мире, созданном Богом.
Значение Петрарки в истории гуманизма заключается в том, что он положил основание всем направлениям ранней гуманистической литературы с её глубоким интересом ко всем сторонам внутренней жизни человека, с её критическим отношением к современности и к прошлому, с её попыткой найти в древней литературе основание и опору для выработки нового миросозерцания и оправдания новых потребностей.
Cкончался Франческо Петрарка 19 июля 1374 года в Аркуа неподалёку от Падуи (Италия).
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #П__

20 июля
В 1656 году родился Иоганн Бернхард ФИШЕР фон ЭРЛАХ (в Граце), австрийский архитектор, художник и историк искусства, один из лидеров искусства барокко. Основатель династии архитекторов Фишеров фон Эрлахов.
Учился в Риме у знаменитого мастера барокко Карло Фонтана. После завершения учебы Бернхард Фишер занялся восстановлением и реконструкцией резиденций и дворцов, которые были уничтожены во время турецких нашествий. С 1694 года Фишер находился на посту придворного архитектора при императоре Иосифе I. Пользовался покровительством влиятельных коронованных персон. Спроектировал многие здания в городах Вене и Зальцбурге, которые стали всемирно известными и принесли архитектору мировую славу.
В ранний период много работал и как скульптор (был, в частности, соавтором декора Колонны св. Троицы, воздвигнутой в 1687 в память избавления Вены от чумы). Был первым немецкоязычным художником, удостоенным за свои заслуги дворянского звания (с добавлением к фамилии уточнения «фон Эрлах») и поста придворного архитектора, который сохранял при трёх императорах.
Среди наиболее важных проектов Эрлаха — императорский дворец Шёнбрунн, Зимний дворец Евгения Савойского, дворец Клам-Галласов в Праге, мавзолей Фердинанда II в Граце, здание манежа в Хофбурге и ряд барочных церквей в Зальцбурге, перепланировкой которого он занимался.
Здания, созданные по его проектам, впечатляют композиционно-пластическим разнообразием форм. В поздних его работах усиливаются классицистические черты – в чем сказалось явное влияние архитектуры А.Палладио и международной палладианской традиции, которые Эрлах изучал во время своих поездок в 1704–1707 годах, когда он посетил, в частности, Берлин и Венецию.
Подготовленный Эрлахом иллюстрированный «Очерк исторической архитектуры» (1721) явился по сути первым всемирно-историческим обзором зодчества как особого вида.
Скончался Иоганн Бернгард Фишер 5 апреля 1723 года в Вене.
Неоконченные работы великого мастера завершил его сын Йозеф Эмануэль.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #Ф__

20 июля
В 1659 году родился Гиацинт /Иасент/ РИГО (в Перпиньяне), французский художник, один из ведущих портретистов в период царствования Людовика XIV и Людовика XV.
Мастер парадного барочного портрета. За годы творческой деятельности Риго создал множество портретов своих современников.
* * * * *
Отправившись в Монпелье в возрасте 14 лет, он поступил в мастерскую П. Пезе, а затем в мастерскую Антуана Ранка, который открыл для него искусство Ван Дейка.
В 18 лет он переезжает в Лион. В 1681 году приехал в Париж, где учится в Королевской Академии и уже через год получает первую премию за картину «Каин строит город Енох». Риго отказывается от поездки в Рим и полностью посвящает себя искусству портрета, создав обширную галерею выдающихся деятелей той эпохи. Художник работает с Франсуа де Труа и Никола де Ларжильером. Вскоре он становится знаменитым портретистом.
В 1684 году, представив еще одну историческую картину «Распятие», Риго был принят в Академию. Звание академика он получил в 1700 за два портрета скульптора Дежардена. Карьера Гиацинта Риго завершилась его избранием на пост директора Академии в 1733 году. Клиентура художника быстро росла: буржуа, банкиры и финансисты.
В 1688 году он написал портрет брата Людовика XIV, а в следующем году – портрет его сына, Филиппа Орлеанского, будущего регента. Художнику позировал и сам король (портрет в доспехах – 1694, Мадрид, Прадо; портрет в коронационном костюме – 1701, Париж, Лувр, этот портрет стал самым известным произведением Риго и настоящим символом французской монархии).
В 1700 году он написал и портрет Филиппа V Испанского (Версаль, музей дворца). Художник создал также блестящие официальные портреты Людовика XV. Его творчество, развивавшееся на протяжении 60 лет, было очень плодотворным и овеянным славой; в годы правления Людовика XIV и Людовика XV в Париже не было знатного вельможи, портрет которого не написал бы Риго.
Наследие художника насчитывает около 400 картин; у него была «Домашняя книга» (она сохранилась и хранится в библиотеке Института Франции), которая позволяет исследователям идентифицировать персонажей на его портретах и датировать его произведения.
Скончался Гиацинт Риго 27 декабря 1743 года в Париже.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #Р__

20 июля
В 1940 году родился Давид Фёдорович ТУХМАНОВ (в Москве), советский и российский композитор. Народный артист Российской Федерации.
После окончания композиторского отделения Музыкально-педагогического государственного института им. Гнесиных служил в Ансамбле песни и пляски МВО, где руководил оркестром.
Работать в жанре песни Тухманов начал в 1960-е годы. Свой первый эстрадный хит «Последняя электричка» (на слова Михаила Ножкина) написал, будучи студентом института. В 1966 году её исполнил певец Владимир Макаров, открыв дорогу Тухманову на телевидение. Позже композитор перешёл к написанию цикла патриотических песен, из которых известными стали «Я люблю тебя, Россия», «Мой адрес – Советский Союз» и др.
Его первый авторский диск «Как прекрасен мир» был выпущен в 1972 году, в котором Тухманов впервые попытался объединить песни в один альбом, где звучали голоса новых исполнителей – А. Градского, Л. Бергера, Н. Бродской, Г. Ненашевой, ансамбля «Веселые ребята».
В 1975 году появляется диск «По волне моей памяти» написанный на стихи классических поэтов. Этот же год ознаменовался и появлением песни «День Победы» на стихи Владимира Харитонова. Песню сначала не брали на ТВ и радио, но Лев Лещенко без разрешения исполнил песню на концерте ко Дню милиции, чем буквально возродил песню.
Созданным в период 1976-85 годов шлягерам свойственны мелодизм, яркие аранжировки и безукоризненное исполнение. Такие песни, как «Так не должно быть», «Олимпиада-80», «Родина моя», «Там в сентябре», «Как жаль» – стали вершинами мастерства Давида Тухманова, где переплелись классическая музыка, хард-рок, симфония и все тогда существующие направления музыкальной индустрии в мире.
Начиная с 1995 года, после перерыва, связанного с пребыванием в Германии, композитор начинает активно работать над детскими музыкальными проектами, создавая репертуар для детских ансамблей, хоров и театральных шоу.
Вместе с Юрием Энтиным написаны песенные циклы: «Золотая горка», «О многих шестиногих», «Бяки-Буки», «Ужастик-Парк», «Гоголь-Моголь-Дискотека», «Игра в классики», изданные в нотных сборниках, на компакт-дисках и аудиокассетах. Давидом Тухмановым написан гимн детского фестиваля мультфильмов «Золотая рыбка».
В настоящее время композитор живёт и работает в Москве, часто – за границей.
[club48234198|Все события] или #Ваш_День_Рождения_20_июля #Т__

20 июля
1858 года родился Илья Семёнович ОСТРОУХОВ (в Москве), русский художник-пейзажист, видный общественный деятель, библиофил, коллекционер, основатель частного художественного музея. Член Товарищества передвижных художественных выставок, Союза русских художников, академик петербургской АХ. Друг П.М. Третьякова, один из руководителей Третьяковской галереи.
Основная тема его творчества – пейзаж средней полосы России. В своих картинах Остроухов мастерски воплощал эмоциональные образы русской природы. Подобно Левитану, создавал «пейзажи настроения».
* * * * *
Выходец из богатой купеческой семьи, он получил прекрасное образование, знал три иностранных языка, играл на рояле.
В юности увлекался естествознанием и собрал столь значительную коллекцию образцов флоры и фауны средней полосы России, что «о молодом натуралисте знали не только русские ученые, но и европейские» (В.А. Серов).
По окончании Московской практической академии коммерческих наук служил в Торговом доме Боткиных. Был гласным Московской городской думы, попечителем Арнольдо-Третьяковского приюта для глухонемых. Живописи учился частным образом у А.А. Киселёва, И.Е. Репина, П.П. Чистякова.
В середине 1880-х годов Остроухов добивается успеха (картины «Золотая осень», «Первая зелень», наиболее известна картина «Сиверко»).
Художник был другом П.М. Третьякова: в 1898-1903 годах являлся членом Совета и фактическим руководителем Третьяковской галереи, в 1905-1913 – попечитель Третьяковской галереи.
Увлекшись собирательством, Остроухов почти совсем оставил живопись. Он составил крупную коллекцию русской и западноевропейской живописи, икон, скульптур, мебели, старинной утвари, предметов прикладного искусства.
Первой картиной живописного собрания Остроухова стал этюд В.Д. Поленова «Лодка», подаренный ему автором в 1880 году. Со временем оно пополнилось произведениями В.А. Серова, И.И. Левитана, М.А. Врубеля, И.Е. Репина; русская школа первой половины – середины XIX века была представлена картинами П.А. Федотова, Ф.А. Васильева, А.К. Саврасова.
Значительной ценностью обладала коллекция икон, которую он стал собирать с конца 1909 года под влиянием учёного и коллекционера Н.П. Лихачёва и помощника хранителя Третьяковской галереи Н.Н. Черногубова. Собрание икон Остроухова считалось одним из лучших в России.
К 1917 году в его коллекции находилось: 117 икон; свыше 600 предметов церковной утвари (панагии, малые образа, медные и каменные кресты, печати, деревянная скульптура); 237 произведений русских художников; около 40 произведений западноевропейских художников; около 20 различных скульптур.
Кроме того в данном собрании было около 100 предметов декоративно-прикладного искусства из Греции, Рима, Древнего Египта, Японии и Китая. Всего в музее Остроухова насчитывалось около 2 тысяч произведений искусства.
Огромную ценность представляла библиотека художника, насчитывавшая более 12 тысяч томов, для которой в 1914 году он издал каталог. В том же году в его собрание был открыт свободный доступ всем желающим.
В 1918 году музей был национализирован Советской властью, а Остроухов назначен пожизненным хранителем, после чего дом стал филиалом Третьяковской галереи. В 1920 году он стал называться «Музей иконописи и живописи имени И.С. Остроухова».
Позднее, в 1929 году музей был расформирован, а собранные художником экспонаты распределены по фондам Русского музея, Третьяковской галереи, музея В.Д. Поленова и других хранилищ.
Скончался Илья Семёнович ОСТРОУХОВ 8 июля 1929 года в Москве, похоронен на Даниловском кладбище.
* * * * *
Ныне в мемориальном доме художника и коллекционера Остроухова расположен музей «Русская литература XX века». В музее организуют сменные выставки по истории литературы XX века и выставки художников, связанных с литературой.

20 июля
1928 года родился Минас Карапетович АВЕТИСЯН (в селе Джаджур), советский армянский живописец, график, театральный художник, заслуженный художник Армении.
В его произведениях, колористически-контрастных, написанных крупным экспрессивным мазком, обрели новую жизнь принципы фовизма. Заметный отзвук нашли и традиции закавказского средневекового искусства.
* * * * *
Обучался в Ереванском художественно-театральном институте (1952-1954) и Ленинградском институте живописи, ваяния и зодчества имени И.Е. Репина (1955-1959), где одним из его главных учителей был Б.В. Иогансон. С 1960 года жил в Ереване.
Широкая известность пришла к Аветисяну в 1962 году, после выставки «Пяти художников», которая проходила в Ереване. Полностью состоявшегося, с яркой индивидуальностью живописца многочисленные специалисты и посетители выставки приняли очень хорошо и по достоинству оценили его картины.
Работы мастера, сочетающие особую цветонасыщенность с эпическим драматизмом образного строя – пейзажи, автопортреты, жанрово-символические сельские мотивы – воспринимались как прорывы к свободе эстетического самовыражения. Тем самым Минас Аветисян, хотя и тяготея в целом скорее к французскому модерну и раннему авангарду начала XX века, сближался с современным ему российским «суровым стилем».
Он успешно выступал также как театральный художник (сценография балета А. Хачатуряна «Гаянэ» в Театре оперы и балета имени А. Спендиарова) и живописец-монументалист (росписи заводских интерьеров в Ленинакане-Гюмри).
Много работ Аветисяна погибло в 1972 году в огне. Ночью 1 января, в то время когда он был в Джаджуре со своей семьей, ереванская студия художника была сожжена вместе с большей частью его лучших холстов.
В период 1960-1975 годов им создано около 500 холстов, почти столько же рисунков, 20 больших фресок и проектов для более десятка театральных представлений. Его искусство заняло почётное место в истории мировой живописи.
Погиб Минас Карапетович АВЕТИСЯН в автокатастрофе 24 февраля 1975 года в Ереване.
Спитакское землетрясение 1988 года уничтожило часть его фресок в Гюмри и дом-музей художника в его родной деревне Джаджур.

20 июля
1924 года во время проведения в Париже VIII летних Олимпийских игр была основана Международная шахматная федерация (ФИДЕ, FIDE – Federation Internationale des Echecs). Главными целями организации стали распространение и развитие шахмат по всему миру, а также подъем уровня шахматной культуры и знаний на научном, творческом и культурном основании.
Девиз ФИДЕ – «Мы одна семья».
Как демократическая организация, федерация базируется на принципах равных прав его членов. Это исключает дискриминацию по национальным, политическим, расовым, социальным, религиозным причинам или по половому признаку.
До 1939 года федерация в основном занималась организацией проведения Всемирных шахматных олимпиад или «Турниров наций», а с 1927 года чемпионатов мира среди женщин. С 1950 года стала присваивать звание международных гроссмейстеров среди мужчин, с 1976 года – среди женщин.
В 1980 году шахматная федерация становится членом ЮНЕСКО. Под эгидой ФИДЕ проводятся все официальные шахматные соревнования: личное первенство мира среди мужчин и женщин, командное первенство мира среди мужчин и женщин, командное первенство мира среди студентов, личное юношеское первенство мира, командное первенство Европы, Кубок европейских чемпионок, Панамериканские индивидуальные соревнования.
Ежегодно 20 июля – День создания Федерации – отмечается, начиная с 1966 года, как Международный день шахмат.